Daniel Buren

Instalação 'A Perimeter for a Room' de Daniel Buren, 2011

Particularmente adoro o trabalho dele. Acho incrível a forma livre como ocupa lugares com suas obras onde luz e cor te engolem na maioria das vezes. Ao longo de sua carreira de 45 anos, o artista francês Daniel Buren  expôs nos melhores locais do mundo com suas obras de arte em site specifcs como: Versalhes, Guggenheim, Paris, Nuremberg, Bélgica,Tóquio, Senegal para citar apenas alguns lugares. Seu último local foi em Londres na Lisson Gallery, onde ao longo de uma semana, ele transformou o espaço com obras que exibem suas marcas coloridas, formas geométricas e sua assinatura com listras. Ele não tem um atelier há mais de 43 anos, e faz questão que quem compre suas obras só as mostrem da mesma forma que montou, sem mudança alguma.

entrevista dada à wallpaper:
"Eu sempre uso materiais locais. Este é o ponto de partida. Na Europa, você pode ter tudo, mas muitas vezes eu estou trabalhando em países onde os materiais originais são raros. Duas semanas atrás, fiz uma exposição no Senegal e o único material que eu gostei foi uma malha anti-mosquito, que custou quase nada. Para as peças de tecido, eu usei um material novo, criado há três anos por uma empresa têxtil muito antiga francesa. É um cabelo como a fibra óptica, para  brilhar com LEDs. Eu fui o primeiro a usá-lo, e ele ainda está sendo desenvolvido para uso na indústria e na arquitetura. Gosto de trabalhar com colaborações com arquitetos. Recentemente, eu trabalhei com Jean Nouvel em um projeto de grande público na Itália, na cidade de Colle di Val d'Elsa, que levou oito anos para ser concluído."
http://www.danielburen.com

Jim Hodges

Fotos de David Regen. Jim Hodges - Sem título, 2011.Granite, aço inoxidável e lacquer.75 x 248 x 301 polegadas instalado. Direitos Autorais Jim Hodges - Cortesia Gladstone Gallery, Nova York e Bruxelas

A Gladstone Gallery tem o prazer de anunciar a sua nova exposição com os novos trabalhos de Jim Hodges , que que ocupa ambos os espaços da galeria,no Chelsea e marca o primeiro projeto da artista em New York. Por mais de duas décadas, Hodges tem utilizado uma ampla gama de materiais do cotidiano para criar obras que transformam esse objeto num local onde o pessoal, político e universal se fundem através de gestos simples e poéticos. Retomando modos variados de processo e produção, a prática de Hodges resiste aos objetivos de um discurso atemporal, procura evidenciar o imemorial e em vez disso oferece obras em várias camadas que evocam temas ressonantes tais como identidade, perda, mortalidade e amor.  

Nesta exposição em duas partes, Hodges apresenta várias novas grandes obras escultóricas que investigam as noções de tempo, movimento, cor e reflexão. Ampliando seu uso frequente de elementos espelhados, Hodges expõe sua maior escultura espelhada até agora, criando uma zona contemplativa ainda com fratura de reflexão e refração. Uma instalação do tamanho da sala, inspirada pela recente viagem da artista a Índia, demonstra um foco mais concentrado na cor, o desempenho da saturação, nos levando à introspecção, e dentro da noção de tempo e movimento. Mesclando o real com o imaginado, um agrupamento monumental de esculturas perfeitamente se justapõe em densas formas orgânicas, e materiais sintéticos. Movendo-se entre diferentes meios e formas contrastantes, Hodges incorpora cada uma com um sentido carregado de sua própria autoria e uma infinidade de possibilidades metafóricas. Jim Hodges nasceu em 1957, em Spokane, Washington e recebeu seu mestrado pela Pratt Institute no Brooklyn, NY. Sua obra tem sido objecto de inúmeras exposições individuais, incluindo: o Centro Pompidou, Paris; Arte Camden Centre, de Londres, o Aspen Art Museum; CGAC, Santiago de Compostela, Espanha; Ensino Tang Museum and Art Gallery em Skidmore College, Saratoga Springs , NY, e do Museu de Arte Contemporânea de Chicago. Hodges foi recentemente nomeada para atuar como Diretora Interina do Departamento de Escultura de Pós-Graduação na Escola de Arte da Universidade de Yale para o ano acadêmico de 2011/2012 . 

515 West 24th Street | 530 Ocidente 21st Street, NY

05 de novembro através de 23 dezembro de 2011

www.gladstonegallery.com

www.jimhodges.com

Penelope Umbrico

Os trabalhos da artista Penelope Umbrico, como As is são forjados no imaginário criado pela internet, uma espécie de absorção de tecnologia e suas implicações mais diretas como a obsolescência programada. Ela transcreve as imagens de sites fragmentados na construção de novas obras que questionam a sintetização da arte comtemporânea e as promessas ou simulacros que essas questões nos sugerem. A série Sunset Portraits também trabalha esses fragmentos reunindo imagens extraídas do Flickr e questionam, de maneira contundente, qual será o legado dessas assombrosa quantidade de informação visual que flana pelo mundo cibernético Pós-graduada pela School of Visual Arts de Nova York, nos Estados Unidos, onde obteve seu M.F.A, e pela Ontario College of Art, em Toronto, no Canadá, a artista já apresentou suas obras e instalações no Canadá e nos Estados Unidos, participando de exposições na Bélgica, Holanda, Austrália e Japão, entre outros países. As imagens da artista também podem ser vistas no livro Penelope Umbrico (photographs) publicada pela Aperture Foundation. Nascida na Philadelphia, vive e trabalha em Nova York. (esse trecho foi retirado do site PARATY em foco, pois ja diz tudo)
http://www.penelopeumbrico.net

+Antonia Low

 
 

Antonia Low

GEWICHT DES SEHENS, 2011, (PESO DE VER) Städtische Galerie Nordhorn modernismo náufrago encantamento e terror - Antonia Low criou um magnífico espelho numa instalação no chão ,que joga com a percepção espacial de forma impressionante. Sua visão é profunda e permanentemente transformada. Agora e depois um estalo alto pode ser ouvido. Parece que uma explosão de gelo em um lago congelado que está começando a derreter lentamente. O som é consistente, porque na verdade são geradas instantaneamente as rachaduras. Eles surgem, porém, não num gelo fundente, mas em uma base de espelho que se estende sobre o espaço da galeria inteira. Quem quer entrar na sala de exposições, tem que passar por pontes de madeira e andaimes, semi-construídos ou semi-destruídos com até  1,50 metros de altura sobre uma estrutura de fero preto. De lá, a superfície do espelho pode ser maravilhosamente vista em sua totalidade.Aqui também reside a natureza paradoxal da instalação , pois " Peso de ver " dá uma visão fascinante aos espectadores, com a acumulação das partes do esqueleto despedaçados do solo precioso. Sob o peso da ponte e do movimento dos visitantes as rachaduras continuam a ser produzidas. A idéia original dessa foi baseada em uma experiência concreta: uma visita a uma escavação arqueológica em Chipre. Em 1962, em Pafos encontraram ruínas que datam do tempo dos romanos, que são equipados com mosaicos fascinantes. Para visualizá-los, eles construíram passarelas de madeira, que são muitas vezes usam espelhos pra poder visualizar as peças encontradas.Ele também joga com o desenvolvimento complexo de crescimento e declínio. A ponte é apenas parcialmente acessível, caindo em outros lugares, mas ainda em construção ou não correta. Uma abordagem arqueológica para a descoberta e é, portanto, no ambiente cotidiano. Será auto-consciente no espelho, vê-se a destruição na terra e a instalação adere a um instrumento multi-facetado de percepção bastante vertiginosa. A superfície do espelho reflete o espaço em si com sua altura dobrada, com seis metros, em vez de um limite máximo de três metros. Este efeito imaginário varia entre o trabalho de encantamento e terror. Ela contém em sua estrutura uma ambivalência que vê a beleza como algo sempre transitória. É digno de nota que, apesar da fragilidade da escultura não perder nada da sua beleza. Ela desenvolveu um fascínio com a sua própria decadência.vidro espelhado, componentes de andaime , madeira preta mate . Dimensões: 4,5 x 18 x 17m , todo o piso do pavilhão criado por Stephen Craig é forrado com espelhos e numa caminhada, o espelho vai sendo quebrado. O pavilhão está localizado em um prédio antigo de um moinho e se refere à arquitetura modernista do Mies van de Rohe.