quinta-feira, 28 de julho de 2011
the waves* waving for Virginia
Genadii Berёzkin
sexta-feira, 22 de julho de 2011
Viktor Hertz
O projeto "You took my name" do artista Viktor Hertz , parte de logos importantes que ja fazem parte do nosso inconsciente e com isso ele chacoalha e critica diretamente os habitos de consumo do cidadão globalizado. Ele desconstrói a marca e o logotipo é redesenhado sem a tipografia, e revela o verdadeiro conteúdo gráfico dos produtos. É o grupo britânico de artistas Dorothy prestes a discutir a questão de quão longe algumas marcas estão já incorporadas em nossa psique. O coletivo dos Artistas, que já ganhou vários prêmios de prestígio, encontra prazer quando colide com o comércio de arte e a questão da apropriação.
James Turrell
Kulturforum Järna tem o orgulho de sediar uma grande exposição James Turrell espalhados em nosso campus no mar Báltico, a sul de Estocolmo na Suécia. Ele criou varias instalações de grande porte, incluindo um skyspace permanente, uma escultura Walk in color entre outros. Imergir na luz e suas diferentes temperaturas de cor num determinado espaço, te faz sentir na retina o infinito. Essa experiencia sensorial e profunda é de fato uma vivencia antroposófica.T
urrell tem desempenhado um papel enorme no movimento antroposófico sueco ao longo dos anos. A mostra apresenta uma série de site-specifics com instalações de Turrell, todos os quais são programados de acordo com suas localizações no mundo e proximidade com a atmosfera, a luz e clima. Cada uma das cinco obras é prova inegável não só de talento artístico Turrell, mas do potencial de cor e luz para informar e contagiar a mente de outras formas. The Retina-Overloading “Ganzfield”. Durante os últimos 30 anos, o artista pioneiro vem criando instalações de tirar o fôlego em torno das variações simples e multifacetada de luz, cor e espaço. Na verdade, Turrell pode reivindicar a possuir a maior obra de arte do mundo atualmente com a cratera de Roden, que dá o acesso espectador a fenômenos celestes em um local nos arredores de Flagstaff, Arizona. Por hora a cratera ainda é um trabalho "in progress".Étienne Boullée
sábado, 16 de julho de 2011
John Armleder
John Armleder, um artista performático, pintor, escultor, crítico e curador, e expedicionário, é consistente apenas em sua disposição de assumir riscos criativos. Os críticos elogiam sua magistral capacidade do uso de diferentes mídias e a abstração sofisticada que informa o seu processo artístico, mas Armleder mesmo parece estar mais preocupado com uma forma de pensar do que uma mecânica simples de fazer. Ele começa com uma idéia, e o resto é uma questão de conseqüência. Foi um membro do Groupe com sede em Genebra, ele estava também muito envolvido com o Fluxus na década de 1960 e 1970 e foi membro fundador do Groupe Ecart em 1969, conhecido principalmente por suas apresentações e publicações. Sua obra continua a demonstrar as preocupações destes grupos, abandonando as hierarquias de diferentes gêneros artísticos e objetos. Estas preocupações permanecem evidentes em seu corpo de trabalho mais recente. Usando uma infinidade de materiais, incluindo televisores, andaimes, espelhos, luzes, aparelhos de CD, animais, plantas em vaso e árvores de Natal, ele criou um mundo turbulento e mágico de beleza e mistério desorientador. Armleder frequentemente examina o contexto em que a arte é apresentado e vê a exposição como um meio em si mesmo com suas instalações. Em trabalhos anteriores ele questionou a noção da autenticidade da arte com instalações que uniu objetos encontrados (de segunda mão ou novos), com pinturas abstratas executadas por Armleder, muitos dos quais, ironicamente, se refere a exemplos modernistas. Ele cria diálogos entre objetos díspares, colocando-os dentro do contexto das exposições, levantando a questão de equivalências possíveis que são criados entre eles quando vistos em tal cenário. Nascido em Genebra em 1948, Armleder estudou na École des Beaux-Arts, em Genebra (1966-7) e na Escola de Verão Glamorgan, Grã-Bretanha (1969). Ele está atualmente sediado em Genebra, mas vive e trabalha em atividade contínua ao redor do mundo, especialmente em Nova York.
Karl Blossfeldt
Admirável, moderno e inerentemente belo, as fotografias de Karl Blossfeldt de plantas, flores e cabeças de sementes são tão atraentes hoje, como eram quando foram introduzidas pela primeira vez ao público em seus dois livros que foram marco: Urformen der Kunst, (formas arquetípicas de Arte), 1928 e Wundergarten der Natur, (O Wondergarden da Natureza), 1932. De 1898-1932, Blossfeldt ensinou escultura baseada em formas naturais de plantas na Escola Real do Museu de Artes Decorativas (agora a Hochschule für Künste bildende) em Berlim. Em seu tempo de vida e de trabalho, Blossfeldt ganhou elogios e apoio de críticos como Walter Benjamin, os artistas do Sachlichkeit Neue (Novo Realismo) e os surrealistas de Paris.O uso de espécimes botânicas como tema fotográfico tornou-se popular no início do século e meados do século XIX no início do meio fotográfico, como é evidente na calótipos de Henry Fox-Talbot e os estudos cyanotype de Anna Atkins. A utilização destes assuntos fotográficos como modelos para a tradução para outros meios de arte era praticada por Blossfeldt, bem como outros antes dele, como o fotógrafo / desenhista Adolphe Braun, que traduziu em arranjos florais award-winning designs têxteis. O que fez o seu trabalho único, foi o domínio da técnica extrema "Blossfeldt" da fotografia. Ele se especializou em macrofotografia para ampliar sua fábrica espécimes e até mesmo uma câmera projetada para esta finalidade. Como resultado, flores do jardim todos os dias são apresentados de tal maneira que suas formas rítmicas são enfatizados ao extremo e as plantas assumem características novas e exóticas. Blossfeldt queria que seu trabalho servisse de inspiração para arquitetos, escultores e artistas. Foi a sua firme convicção de que somente através do estudo aprofundado da beleza intrínseca presente em formas naturais, que a arte contemporânea iria encontrar sua verdadeira direção. Hoje o trabalho de Blossfeldt está nas colecções do Museu Ludwig, de Colônia, na Biblioteca Nacional, Paris, no Metropolitan Museum of Art, Nova York e muitas outras importantes coleções. Estampas vintage são extremamente escassas e os preços podem chegar até US $ 50.000 cada, dependendo da condição. As gravuras oferecidas no Hoppen Gallery Michael são da primeira edição do Urformen der Kunst, (1929), e der Natur Wundergarten, (1932), e estão em perfeitas condições. Maravilha pros olhos e pra alma.
quinta-feira, 14 de julho de 2011
Elger Esser
O artista Elger Esse, abriu no dia 06 de julho passado uma nova exposição na Galerie Tadeu Ropac em Paris com o título de NOCTURNES. Esta série de fotografias e heliogravuras foi produzida em 2010 numa aldeia da Normandia , que inspirou Claude Monet com seus lírios de água. Desde a sua educação formal Elger Esser se interessa pela fotografia de paisagem. Reforçado pelo trabalho do grande fotógrafo do século 19, Henri le Secq e Gustave Le Gray, conhecido por suas paisagens realistas, ele é fascinado pelas descrições da natureza de Flaubert e Maupassant. Essas influências levaram-no a capturar paisagens muitas vezes vazias de qualquer presença humana. Em Giverny, Elger Esser trabalhava à noite e em cores, mas também em tons de cinza. Ele mostra a natureza densa, silenciosa e um pouco desordenada, como que "abandonada". Um longo tempo de exposição em preto e branco traz uma luz poderosa branca que inunda as formas até que desapareçam. Contrastes são criados em paisagens de cor crepuscular abertura a um mundo imaginário de fantasia. Nascido em 1967, Elger Esser passou sua infância em Roma. Entrando na Düsseldorf Kunstakademie se juntou a classe Becher, fundadores da Escola de Düsseldorf, onde adquiriu um domínio forte de todos os processos fotográficos. Até outubro 2011 suas heliogravuras serão expostas na Basileia na Baloise Kunstforum. Em 2010 uma grande retrospectiva chamada Eigenzeit foi dedicada a ele no Kunstmuseum, em Stuttgart, em seguida, no Museu voor Moderne Kunst em Arnhem, na Holanda. Elger Esser tem participado em inúmeras bienais de fotografia e exposições coletivas. Em 2011, no Guggenheim, em Veneza. Para mais informações sobre a exposição, entre em contato com Elena Bortolotti, tel. 01 42 72 99 00, elena@ropac.net. http://www.ropac.net
terça-feira, 12 de julho de 2011
Louise Bourgeois
O retorno do desejo proibido
A primeira grande individual de um dos mais emblemáticos nomes da arte no século XX chega à America do Sul por meio do Instituto Tomie Ohtake, responsável pela itinerância desta mostra, já realizada na Fundação Proa, em Buenos Aires (19/5 a 19/6 de 2011). Agora Louise Bourgeois: O Retorno do Desejo Proibido chega a São Paulo, com um número ainda maior de trabalhos. A exposição, com curadoria de Philip Larratt-Smith, apresenta um amplo panorama da obra de uma das mais ilustres artistas do século XX. Baseada na descoberta, após a sua morte em maio de 2010, de um arquivo, com mais de 1.000 anotações, entre escritos e correspondências, a exposição debruça-se sobre o legado psicanalítico de sua obra. Por ocasião da exposição, será lançado pelo Instituto Tomie Ohtake em conjunto com Louise Bourgeois Studio um catálogo, com 480 páginas, em dois volumes, em um dos quais pela primeira vez se publica uma série de textos inéditos de Louise Bourgeois, sob a rigorosa seleção de Phillip Larratt-Smith. Estes escritos, amplamente citados, porém nunca antes reproduzidos, ilustram o pensamento da artista e seu vínculo com o processo psicanalítico. No outro volume está reunido o pensamento de destacados ensaístas e conhecedores da obra de Bourgeois, como o próprio curador, Donald Kuspit, Paul Verhaeghe e Julie de Ganck, entre outros, enriquecendo o viés psicanalítico que a exposição propõe.
Instituto Tomie Ohtake
8 JULHO A 28 AGOSTO 2011
sexta-feira, 8 de julho de 2011
Tony Oursler
No coração de Londres o artista Tony Oursler criou um espectro para a nossa época de imagens saturadas. Tony Oursler concebe A Máquina-Influência, filho-et-lumière como uma espécie de "psico-paisagem". Sondando a história da mídia, ele criou um histórico show de luzes e sons que invocou os espíritos do Soho Square, a partir da fantasmagoria do século XVIII com as crenças e superstições que têm assombrado as indústrias locais durante todo o século XX século. O projeto também investigou o que Oursler chama de "lado escuro da luz", uma história alternativa de comunicação sem corpo - e dos espíritos à espreita dentro da mídia que todos nós usamos hoje. Monólogos de várias figuras projetadas em árvores (que foram concebidos como uma espécie de "coro") foram escritos por Oursler e executada por atores em sua cidade natal de Nova York. Uma dessas figuras, aparecendo e desaparecendo na fumaça, era de fato um colaborador de longa data de Oursler, Tracy Leipold. Oursler chamou de "médium", e seu diálogo fez referência direta a nomes-chave da história da mídia como pioneiro da televisão John Logie Baird e Gaspard Robertson Etienne, que fundou o primeiro teatro da imagem em movimento em uma cripta, em Paris de 1763. Junto a tudo isso criou uma trilha sonora composta por Tony Conrad e realizada em uma gaita de vidro. Partindo do telefone à televisão e a internet, as "máquinas de influência" dos meios de comunicação modernos têm sido ferramentas de comunicação e informação. Mas eles também foram condutores para as vozes do outro lado. A Máquina-Influência oferece uma paisagem multi-media fraturada de espectros, sons e luzes. Durante doze noites apenas, os fantasmas haviam escapado da máquina ... A Máquina-Influência faz parte da Coleção Artangel . Ele foi desenvolvido com o Fundo de Arte Pública em Nova York e originalmente instalado no Madison Square Park (Outubro de 2000) e, em seguida no Soho, Londres (Novembro de 2000). O trabalho foi encomendado pelo co-Becks e apoiado pela London Artes, da Cidade de Westminster,também pela The Stanley Thomas Johnson Foundation e a Artangel. Essa obra esta foi reapresentada em Manchester, Inglaterra, entre os dias 2 e 6 de Julho de 2011 no Whitworth Park, entre 22:30 e 23:30.
quinta-feira, 7 de julho de 2011
Isa Genzken
Isa Genzken (1948-) Nasceu em Bod Oldesloe, Alemanha. Estudou no Hamburg College of Fine Arts, Berlin University of Fine Arts e Arts Academy of Düsseldorf. Violência, consumo e maturidade são temas abordados. Participou das Bienais de Sidney, Veneza e Documenta de Kassel e a Bienal de São Paulo de 2010. Foi casada com o artista Gerhard Richter. Vive e trabalha em Berlin atualmente. Embora o foco principal Isa Genzken seja a escultura, ela utiliza diversos suportes, incluindo fotografia, cinema, vídeo, obras sobre papel e tela, colagens, e livros. Sua prática diversa baseia-se no legado do construtivismo e do minimalismo e muitas vezes envolve um diálogo crítico e aberto com a arquitetura modernista e da cultura visual e material contemporânea. Com cimento, gesso, construção de amostras, fotografias e bric-a-brac, Genzken cria estruturas arquitectónicas que foram descritas como ruínas contemporâneas. Ela incorpora ainda espelhos e outras superfícies refletoras, literalmente, coloca o espectador em seu trabalho. No cenário das artes plásticas, Isa Genzken é há muito conhecida. Estudou nos anos 1970 na Academia de Artes de Düsseldorf com o pintor Gerhard Richter, com quem se casou em 1982 e de quem se separou 14 anos mais tarde. Suas primeiras aparições públicas aconteceram durante a lendária exposição von hier aus (a partir daqui), em 1984. Na época, a artista passou uma semana e meia acampada na porta da casa do curador Kasper König, que, finalmente, a convidou a participar da exposição. Em 1992 e 2002, Genzken teve obras incluídas na documenta de Kassel. Seu nome, porém, permaneceu por muito tempo à sombra de outros artistas, tornando-se conhecido do grande público somente a partir de sua participação individual na Bienal de Veneza. Isa Genzken é uma escultora cujo trabalho re-imagina a arquitetura, montagem e instalação, dando forma a novos ambientes de plástico e estruturas precárias. Rose II foi originalmente criado em 1993 e reprisado em 2007. É o culminar de uma prática que explora a maneira como percebemos objetos e imagens através de nossos sentidos, as implicações de escala e a integração da arquitetura, natureza e cultura de massa. Embora Genzken seja uma residente de longa data de Berlim, ela teve um caso de amor de quarenta anos com a cidade de Nova York, que começou quando ela visitou pela primeira vez como um estudante. Olhando retrospectivamente para aquela experiência, ela comentou: "Para mim, Nova Iorque tinha uma ligação direta com a escultura ... (It) é uma cidade de incrível estabilidade e solidez." A instalação de Rose II pode ser visto como uma homenagem a um lugar que Genzken continua a amar.
New Museum ROSE II até novembro de 2011 na fachada do prédio
235 BoweryNew York, NY 10002
212.219.1222
Runa islam
Runa Islam 1970Dhaka, BangladeshVive e trabalha em Londresestuda textos e filmes dos cinemas de vanguarda para revisitar a prática experimental na produção cinematográfica. Desde essa plataforma discursiva, a artista passeia pelo tempo e pela história do cinema e, equipada com antigas máquinas de produzir imagens – câmeras 8 e 16mm, por exemplo – explora uma visualidade explicitamente analógica e assumidamente desatualizada. Em sua obra, a afluência de símbolos e técnicas do passado provoca certa nostalgia e, mais do que isso, presta-se a produzir novas imagens e escrituras em que a precisão das experiências de linguagem confunde-se com a provocação de emoções e atmosferas simbólicas This much is uncertain é um filme 16mm filmado nessa pequena ilha ao norte da costa da Sicília. Com imagens cuidadosamente elaboradas a partir da ilusão de coincidência entre a textura da areia vulcânica e a fragilidade dos grãos de prata do filme, Runa Islam produz uma obra imersiva e visual, apoiada no potencial sugestivo da imagem em movimento, ainda que seja apenas do sutil movimento das partículas da própria película. A forma como ela relaciona o real e a ficção, as escalas dos modelos arquitetônicos, as maquetes, os projetos e as construções realizadas é incrível, pois ela usa de forma muito particular as contradições das verdades que muitas vezes estão ocultas no lado ficcional e da representação das coisas. Seu trabalho é mostrado em inúmeros lugares pelo mundo, como MUMOK, Vienna (2008); o Hirshhorn Museum, Washington, D.C. (2008); o Walker Art Center, Minneapolis (2007); Biennale Seville (2006); Venice Biennale (2005)e no Hammer Museum (2005). Ela foi indicada pra Tate Gallery, no Turner Prize em 2008. http://vimeo.com/4714570 http://www.youtube.com/watch?v=mSk8cxZZuBA&NR=1
sábado, 2 de julho de 2011
Betsy Walton
Betsy Walton é uma pintora e ilustradora, que trocou seu emprego em 2006 pela pintura. Trabalha e vive no Oregon, em Portland. Adoro seu romantismo e sua liberdade surreal e naif. Acabei de conhecer seu trabalho, que atualmente faz parte de algumas coleções privadas e algumas exposições.
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